L’ABBONAMENTO BIG DREAM include tutte le performance (M/T/D) eccetto le proiezioni al Cinema ABC.

Sarà possibile acquistare l’abbonamento fino al 3 novembre.

Trovi tutte le informazioni utili su biglietti e abbonamento qui.

Al botteghino è possibile pagare i biglietti solo in contanti.

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Dreams about Dying è un sogno che riguarda il morire come soglia tra materiale e immateriale, sonno e veglia, corpo e spirito. Questa ricerca performativa mescola antichi rituali funebri, collezionati intorno al mondo, a un personale sguardo e scambio di pratiche, riflessioni e poetiche fra le due interpreti, che rendono l’idea sulla vita e sulla morte un dolce attraversamento tra le memorie, le relazioni, gli oggetti, i legami. Un viaggio emozionale che oltrepassa i confini del tangibile facendoti dubitare della presenza, di chi sia veramente vivə e chi mortə.

Marta Capaccioli e Lucrezia Palandri sono danzatrici e performer per numerosə coreografə nazionali e internazionali. Dal 2009 Marta e Lucrezia condividono importanti esperienze di vita e lavoro. Insieme danzano per Paolo Poli, Jonathan Burrows e Matteo Fargion, Cristina Kristal Rizzo, Annamaria Ajmone. Tra il 2018 e il 2019 entrambe lavorano per The Cleaner, la retrospettiva su Marina Abramović al  Palazzo Strozzi di Firenze. 

Le Playgirls from Caracas, progetto nato a Lecce nel 2007 e di base a Roma, mettono in atto nei loro dj-set una ricerca queer che scava in generi e periodi differenti: un frizzante fritto misto supportato da video provocatori che tra maracas, güiro e percussioni varie trasforma timide situazioni in serate danzanti. Hanno infiammato le dancefloor dei più rinomati party gender fluid, dal Gucci Cruise all’Hacker Porn Film Festival di Roma, dal Festival dei Teatri di Santarcangelo di Romagna al Giovedì Friendly di Molfetta, dal MIX festival di Milano al Salento Rainbow, dallo Short Theater alla Masseria Wave. Non potevano mancare al BIG!

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Regina José Galindo, artista visiva e poeta, utilizza il suo corpo come principale mezzo di espressione, attraverso performance e azioni collettive. Galindo, che vive e lavora in Guatemala, suo Paese natale, utilizza il contesto locale come punto di partenza per esplorare e denunciare le implicazioni etiche della violenza sociale e le ingiustizie legate alla discriminazione razziale e di genere, così come gli abusi ai diritti umani derivanti dalle disuguaglianze endemiche nelle dinamiche di potere delle società contemporanee. La vasta produzione che da sempre la contraddistingue mira a generare nel pensiero un punto critico che segnala, denuncia e impegna a giudizio le diverse azioni abusive a cui sono sottoposti vari gruppi sociali, ma che sono state normalizzate nel corso degli anni e del silenzio che lei rompe. Ha ricevuto il premio Leone d’oro come Miglior Artista Giovane alla 51ª Biennale di Venezia e nel 2011, il Prince Claus Awards per la sua capacità di trasformare l’ingiustizia e l’indignazione in atti pubblici che richiedono una risposta. Di recente ha ricevuto il premio Robert Rauschenberg della Foundation for Contemporary Arts.

Regina José Galindo presenta per il BIG un’opera performativa inedita. 

I casi di femminicidio anno dopo anno sono innumerevoli, in contesti familiari o affettivi e per mano di  partner o ex partner.  Dati terribili e in ascesa che si registrano in Italia, Spagna, Germania e altre regioni europee. Le sirene d’allarme sono state attivate: si tratta di una nuova pandemia silenziosa.

L’accesso del pubblico è consentito a gruppi di 25 persone.

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La Frontiera è uno spettacolo che viaggia nel tempo, il tentativo di costruire un racconto sci-fi che muove ogni volta dalle caratteristiche dei luoghi in cui si installa per immaginare destini e fughe lontane. La Frontiera ha sempre due lati. Da una parte c’è il luogo dove nessuno è mai stato prima, dove si arriva con l’impeto di una tempesta, di una battaglia. Nella frontiera, niente di ciò che si vede è reale, è uno spazio vuoto, e quindi pieno di sogni e speranze. Per questo ci andiamo: per cercare l’oro, la terra, per espandere il nostro mondo. Dall’altro lato della frontiera c’è il posto dove viviamo, dove siamo sempre vissuti: è il mondo vero e certo, pieno di realtà. Con La Frontiera, Muta Imago vuole costruire uno spettacolo che riesca a portare lo spettatore al confine tra questi due luoghi, il racconto di un uomo e una donna che si muovono nel tempo alla ricerca del loro io passato e futuro, nel tentativo di comprendere appieno da dove arrivino le nostre paure, le nostre speranze, i nostri desideri: tutto ciò che ci definisce, geneticamente e antropologicamente, come esseri umani.

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Progetto in continua e inesorabile trasformazione, racconta di mutamento, evoluzione, metamorfosi. L’interprete è costantemente impegnato in un processo di scansione delle conoscenze tramite l’azzeramento e la riacquisizione in tempo reale delle proprie capacità motorie. Lo spazio della danza diventa un universo abitato da presenze solamente suggerite e quasi immateriali, in cui il corpo riscopre sé stesso continuamente e diventa il campo di un confronto sensibile con lo sguardo dello spettatore. 

Di origini pugliesi, Davide Valrosso, diplomato presso l’English National Ballet e formatosi in numerosi centri di danza contemporanea, ha collaborato come interprete con artisti visivi e coreografi tra cui Tino Sehgal, Paolo Bronstein, Ariella Vidach, Laura Corradi, Paolo Mohovich, Gustavo Ramirez, Jacopo Godani, Eugenio Scigliano, Raymond Sullivan, Daniele Ninarello, Antonello Tudisco, Raphael Bianco, Pascal Touzeau, Cristina Rizzo, Fabrizio Favale e Franca Ferrari. Dal 2016 con Cosmopolitan Beauty  intraprende  un proprio percorso autoriale  producendo numerose creazioni ospitate in numerosi festival nazionali e internazionali.

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Protagonista di questo ritratto tragico sull’esistenza umana è Barbara Voghera, attrice sensibile con Sindrome di Down e storica interprete delle varie stesure dell’Hamlet fin dal 1999. Il suo corpo è capace di incarnare le parole shakespeariane in un’oscillazione esponenziale tra perdita e ritrovamento del senso. In questo Hamlet Solo si esplicita un dispositivo drammatico che rivela la natura orfana di Amleto, la sua inevitabile e assoluta solitudine scenica ed esistenziale. In un attraversamento senza respiro del testo, l’attrice implode dentro gli altri personaggi, unico strumento ‘vivo’ di una partitura visiva di spettri. I dialoghi con Orazio, la Regina, il Fantasma del Padre, Guild and Rose, gli Attori, i Becchini, Re Claudio vengono inflessi nell’unico duello eroico possibile, quello dell’attore con sé stesso.

I progetti di creazione performativa contemporanea di Lenz sono il risultato artistico di un approfondito lavoro di ricerca visiva, filmica, spaziale, drammaturgica e sonora. In una convergenza estetica tra fedeltà esegetica alla parola del testo, radicalità visiva della creazione filmica, originalità ed estremismo concettuale dell’installazione artistica, l’opera di Lenz riscrive, in segniche visionarie, tensioni filosofiche e inquietudini estetiche della contemporaneità.

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Un laboratorio e insieme una tavola rotonda, per parlare e soprattutto per ascoltare le opinioni dei più giovani sui temi che riguardano il corpo, il consenso, la fisicità in quando fonte di discriminazione e di forza motrice di cambiamento interiore e collettivo, in una prospettiva intersezionale, intergenerazionale e anti-adultista. L’ideazione e lo svolgimento delle attività sono a cura di Articolo12 Soc. Coop. di Servizi, con la collaborazione di Domenico Centrone (filmmaker e formatore).

Nel corso della matinée saranno proiettati i cortometraggi:

JUNIOR, diretto da Julia Ducournau (Francia 2011 – 21’)

PARAMORE, diretto da Andrea Lamedica, Francesco Mastroleo (Italia 2023 – 20′)

YANDERE, diretto da William Laboury (Francia 2019 –20’) –  première in Italia

Alla fine delle proiezioni Spine Bookstore consiglia letture queer per minori.

Lost in translation. Le disabilità in scena (Bulzoni 2021) ricostruisce le storie che nascono dall’incontro tra le disabilità e lo spettacolo dal vivo dalla fine dell’Ottocento ad oggi. Un vasto intervallo cronologico in cui artisti e artiste con disabilità puntellano solo qualche breve momento, almeno fino ad oggi. Quali ruoli occupano? In un sistema di narrazioni edificato a somiglianza di persone “normativamente abili”, come ci si accorge di ciò che manca? Attraverso queste e altre domande emerge una trama densa di storie, pratiche, istanze poetiche e politiche che trascinano con forza fuori dalla scena sconfinando il dominio dell’etica, del diritto, della politica e dell’economia. 

Flavia Dalila D’Amico è una studiosa e curatrice nel campo delle arti performative. Fa parte dell’associazione Al.Di.Qua. Artists e cura la comunicazione di ORBITA|Spellbound Centro Nazionale di Produzione della Danza e di Fuori Programma Festival Internazionale di Danza. 

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Body Shaping prende a prestito dalla pratica della censura delle nudità femminili sui social media l’espediente estetico del tape nero, portando l’atto del censurare il corpo alle sue estreme conseguenze. In Body Shaping, ad essere censurate non sono solo quelle parti del corpo erotizzate e generalmente nascoste o da nascondere, perché ritenute oscene, scandalose, pornografiche, ma tutto il corpo. L’atto di rivestire un corpo nudo con metri e metri di nastro isolante nero ha come esito la creazione di un nuovo corpo, di una nuova carne, nera, lucente, modellata e compressa dal nastro. Body Shaping è una protesta all’oppressione estetica, uno stand personale e politico, un atto di rivolta contro lo sguardo agito e subito.

Ivana Pia Lorusso (1995, Bari) è un’artista, pedagogista e attivista transfemminista. Al centro della sua ricerca e pratica artistica pone le rivendicazioni del femminismo intersezionale, utilizzando fotografia, video, installazione, scultura e performance per esplicitare il dibattito sull’oppressione estetica, il giudizio sui corpi e la malattia intesa da una prospettiva bio-psico-sociale. Ha conseguito il Dottorato di Ricerca (PhD) in “Cultura Educazione Comunicazione” (2023) presso Università degli Studi Roma Tre; nel 2022 ha frequentato il Corso Avanzato in Arti Visive e Cultura Contemporanea presso l’Accademia per artisti e curatori PIA School di Lecce. Nello stesso anno ha coordinato una delle sezioni performative di “Part-time Resistance”, performance corale di Nico Angiuli, a cura di Eugenia Delfini presso il Museo di Arte Contemporanea (MACTE) di Termoli e ha preso parte al programma europeo “Power. Exploring Gender and Power through/in Art”.

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La comunità culturale-artistica cittadina è invitata a partecipare a questo appuntamento di confronto e condivisione informale in cui mettere al centro le proprie istanze, urgenze, rivendicazioni. Un appello tanto desiderato dal periodo post-pandemico finalmente si concretizza come momento di scambio frontale fra artistə, studentə, professionistə delle arti,  visuali, performative, musicali e multimediali per misurare la temperatura del proprio agire in città: quali luoghi, quale ascolto, quali risposte, quale profondità culturale e intellettuale ci circonda? Quali occasioni e possibilità incontriamo? Dove si incontrano e come intervengono le comunità artistiche per avere forza di massa critica?

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È la storia di Carlotta, studentessa delle medie di Berlino, ragazzina ariana, che di fronte all’ordinanza di portare la stella gialla per tutti i Giudei, risponde con una disubbidienza straordinaria. Da quel giorno uscirà di casa con la stella gialla in petto, come una rosa, e presto tutti a Berlino la imiteranno. Uno straordinario inno all’allegria anarchica, oltre che una denuncia di tutte le forme di totalitarismo.

IAC Centro Arti Integrate, fondato nel 2010 a Matera da Nadia Casamassima e Andrea Santantonio, si occupa di promozione e produzione teatrale.Nei loro percorsi propongono una modalità di lavoro collaborativa in cui tuttə possono trovare il giusto spazio per praticare le proprie attitudini ed abilità. Dialogano con l’infanzia e la maturità, con il centro e la periferia, con il limite e la possibilità, con la realtà e l’immaginario e raccontano la straordinaria ricchezza e contraddizione del contemporaneo. Il linguaggio adottato si muove tra le corde della narrazione, del teatro fisico e corale, e della ricerca visuale. I temi ricorrenti della loro poetica sono la lotta politica e la crescita culturale, la fruizione e partecipazione allargata, la lotta alle ingiustizie sociali, l’attenzione alle fasce fragili della popolazione.

Kyoto è il progetto musicale solista di Roberta Russo, cantautrice, batterista, produttrice e performer classe 1996, cresciuta tra Monza e Bari, dove vive attualmente. La peculiarità del progetto risiede nella fusione della tecnica del beatbox con un’elettronica oscura e cinematografica. Il canto e la musica parlata incontrano diversi strumenti musicali di varie tradizioni, tra cui quella pugliese. Nel 2021 Kyoto pubblica il singolo PRIMAVERA21, un racconto intimo di clausura, prodotto dal rapper e beatmaker Tonico70, anima dell’etichetta indipendente DINT RECORDZ. Nel novembre 2022 pubblica il singolo Scenari. 

Durante la serata sarà disponibile lo spazio editoria queer a cura di Spine Bookstore.

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Remaining strangers conclude la ricerca intrapresa con Compass e Mantaining strangers sulla concezione di straniero, un’indagine sulle pratiche sociali e i fenomeni culturali che riguardano il rapporto fra straniero e ospitante a partire dall’idea di ξενία nell’antica Grecia, la generosità e la cortesia mostrate a chi si trova lontano da casa. L’indagine su questo scambio, fatto di beni materiali e non (pensiamo alla protezione, ai favori, ai codici sociali) spinge a riconfigurare le fluide relazioni di potere in cui siamo avvolti problematizzandone l’angolo visuale da cui ciascunə di noi osserva, fra partecipazione e senso di appartenenza. 

Simone Aughterlony, artista indipendente neozelandese con sede a Zurigo e Berlino, lavora prevalentemente in contesti di danza e performance. Negli ultimi sedici anni ha ideato opere coreografiche dallo spirito queer. Nel 2018 le sue opere sono state esposte alla Biennale di Venezia per un focus sull’artista.

Durante la serata sarà disponibile lo spazio editoria queer a cura di Spine Bookstore.

Gran ritorno a Bari di MadAlba, djane di spicco della scena techno queer internazionale! Pugliese d’origine, di casa a Berlino, Madalba è la protagonista indiscussa di un esclusivo  BIG party da sogno.

MadAlba nata a Bari nel 1985, si trasferisce a Berlino nel 2011 dove inizia a fare dj-set con solo dischi in vinile, guadagnando così una forte reputazione come underground techno dj e occasioni di suonare nei club della città come Tresor, About Blank, SchwuZ, SO36 e Mikz. Nel 2011, a Detroit, inizia la collaborazione con DJ Seoul, Tom e Angie Linder della Detroit Techno Militia: questo viaggio cambia radicalmente il suo approccio alla techno, che considera un fenomeno politico e sociale e uno stile di vita e non solo un genere musicale. Tornata a  Berlino entra in contatto con la scena queer diventando resident dj di Homopatik, a quel tempo il party bandiera della realtà queer berlinese. Nel 2018 MadAlba diventa resident dj dello storico club Trésor e dal  2019 è parte del roster di artistə di Pullproxy. Attualmente è anche techno resident dj e co-organizzzatrice di Buttons, il party queer più underground di Berlino. Negli anni la consapevolezza del potere comunicativo del suo ruolo di dj ha avuto l’obiettivo di creare un network di relazioni basate su valori di assoluto rispetto per tutte le forme di diversità.

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Questo lavoro è il tentativo di granulazione di un corpo, il racconto del suo continuo deragliamento: si concede lo spazio della contemplazione in bilico su di un crinale, in attesa della prossima lacerazione nel desiderio di farsi sempre più plurale. Si fa visione errante, e orientandosi istante dopo istante si apre sempre più all’altro da sé. La pratica che guida l’intero processo è costruita interamente intorno alla domanda: “Come le cose del mondo ci toccano e ci muovono?”. ERROR nasce dal desiderio di interrogare la relazione che esiste tra un corpo e il paesaggio che lo circonda, osservarne il rapporto di inter-corporeità, di reciproca co-appartenenza e co-implicazione. È questa una relazione minata dalla tentazione del corpo di controllare il presente e dominarlo, agendo sulle cose senza lasciarsi da esse dire e toccare, informare e cambiare, rischiando così di smettere di sentire e smettere di apprendere.

Martina Gambardella (Napoli, 1993) conduce una ricerca è orientata a indagare lo spazio potenziale della materia corporea, nella sua espansione e decostruzione, attraverso l’attivazione di processi e pratiche di movimento che si generano nella costante relazione con l’altro e dai luoghi che abita. Artista associata di CodedUomo Choreography and Research, è attualmente impegnata nella ricerca coreografica di Mute, e autrice di Error ed Error#1. Si forma come danzatrice tra Leeds, presso la Northern School of Contemporary Dance e Milano, presso il Centro Internazionale di Movimento e Danza. Nel 2016 consegue il Diploma di post-laurea in Developing Artististic Practice a Londra presso la London Contemporary Dance School.

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Cosa succede se resistiamo alla tentazione di completare troppo presto il gesto e ci concediamo il tempo per contemplare ed espandere lo spazio dal quale il movimento sta sorgendo? Mute nasce dal desiderio di celebrare l’origine del movimento, cogliendo il potenziale e la forza generativa dello spazio dal quale esso emerge. Il lavoro volge lo sguardo allo spazio della relazione tra i corpi e si mette in ascolto del continuo discorrere silenzioso con i punti e i luoghi di contatto con l’altrə da sé. La materia dell’origine emerge così come desiderio costante di congiunzione e come forza in grado di trasformare lo spazio di mezzo in un tracciato tattile e risonante di connessioni.

Define Chris è il progetto solista del musicista pugliese Christopher Difino (batterista e producer). Elettronica emotiva che viene costruita su ritmi e texture, miscelando elementi glitch e noise, loop perpetui di contemplazione e sfuriate eclettiche accompagnati da una caleidoscopica installazione video. Esplora in modo sonico e personale un mondo differente e vasto di influenze, tra IDM, musica sperimentale, drone, new age, musica ambient e melodie synth che ricordano le colonne sonore di fantascienza degli anni ’80. Il primo album ‘Repetition Tomorrow’ è uscito per l’etichetta di Los Angeles, Already Dead Tapes & Records. 

Durante la serata sarà disponibile lo spazio editoria queer a cura di Spine Bookstore.

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Tornano i DIALOGHI sul BIG, il consueto appuntamento concepito all’interno del Bari International Gender Festival in collaborazione con l’Archivio di Genere Carla Lonzi, il dipartimento di Scienze della Formazione, Psicologia e Comunicazione e il Corso di Scienze della Comunicazione.

Il sogno come dimensione della realtà in relazione alle questioni di genere: ragazze, donne e persone LGBTQIA+ possono trasformare il paesaggio della scienza, della tecnologia e dell’arte. Il tema del talk, infatti, è esplorare ambiti legati alle STEaM (Science, Technology, Engineering, ART, Mathematics) che investono corpografie, stili vestimentari, linguaggi artistici transmediali e tec(h)nologia: luoghi di affermazione, riappropriazione e sperimentazione attraverso pratiche e sogni transfemministi e intersezionali.

Tra gli interventi: Milovan Farronato (critico d’arte, curatore), Carla Petrocelli (storica della scienza), Patrizia Calefato (sociologa), Alessandro Taurino (psicologo clinico), Paola Zaccaria (Archivio di Genere), Aendör Studio (genderless fashion label) e il corpo studentesco di Scienze della Comunicazione.

Qui il programma dettagliato dei Dialoghi

Sono previsti 0.25 CFU per Scienze della Comunicazione

Farewell, solo studio di Gianmaria Borzillo in anteprima nazionale al BiG, è un luogo di ascolto e azione, di scoperta e di inizio, punto di solitudine ed euforia.

È uno spazio queer, sghembo, un microcosmo creato per e dalla musica di Julius Eastman, in cui strati multipli fluiscono e defluiscono con il passare del tempo, tra passaggi e transizioni, in un accumulo che provoca stordimento, frustrazione e grazia.

Farewell è una graduale conoscenza dell’altro come scoperta radicale del sé, in cui si palesano intimità e morte, AIDS e malattia, trasfigurazione e gioia dell’erotico, memoria, finzione e reale, la solitudine e la sua scomparsa.

La scena vive e si popola lentamente grazie alla composizione di Eastman, che ne regola le leggi e al tempo stesso regala libertà di esplorazione e costruzione.

Gianmaria Borzillo (Sorrento, 1995), danzatore, performer e autore, si diploma alla Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi di Milano e studia con Ariella Vidach, Biagio Caravano, Enzo Cosimi, Annamaria Ajmone, Cristina Rizzo, Maria Consagra, Ida Kuniaki. Agli studi accompagna esperienze formative e laboratoriali con Erna Ómarsdóttir & Valdimar Jóhannsson, Virgilio Sieni, Leonardi Lidi, Dante Antonelli, Collettivo Cinetico e Anagoor. Performer in Augusto e Save the last dance for me di Alessandro Sciarroni, Leone d’oro alla carriera della Biennale Danza 2019, coreografo e interprete della performance Rapture per il festival Rural Dimensions, ha vinto con il suo primo lavoro autoriale Under the influence la menzione speciale al bando registi under 30 della Biennale di Venezia 2020 e una menzione speciale della giuria del Premio Leo De Berardinis – Teatro di Napoli.

Durante la serata sarà disponibile lo spazio editoria queer a cura di Spine Bookstore.

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Mitopoiesi TRANS: il potere trasformativo del sistema corpo-mente tiene insieme esperienze di politica queer dal basso, pratiche artistiche e racconti individuali. Un assemblaggio di visioni che restituisce la complessità di esperienze dei corpi trans e dei corpi trans non binari. La forma scelta è un impasto creativo, materia viva che si trasforma ad ogni sguardo, che può essere aperta e letta a partire da qualsiasi punto. Il tono è confidenziale e permette di entrare con tatto nelle contraddizioni, sottolineando così il valore salvifico e rivoluzionario delle relazioni politiche che intessiamo.

Lud, persona trans non binaria e terrona, cresce nella provincia sud-est barese, e dopo aver vissuto a Bologna e a Bogotà, sceglie di tornare al Sud Italia, a Napoli, dove ora vive. Completa i suoi  studi in Nuove Tecnologie dell’Arte, all’Accademia, e pratica e sperimenta creazione di opere collettive e relazionali in quartieri periferici di Napoli e in alcuni paesi del Sud Italia. Milita in collettive che producono discorsi trans e queer dal basso, spesso attraverso pratiche artistiche e performative di piazza. Scrive canzoncine per stare bene.

CLOUD_extended è una riflessione sulla politica delle immagini e sulla rappresentazione mediatica dei corpi, organizzata attorno ai concetti di durata e ripetizione: la performance, che si svolge su un arco temporale di un’ora e mezza, è composta da tre ripetizioni di circa trenta minuti ciascuna; il pubblico può entrare e uscire tra l’una e l’altra. Il contenuto è il medesimo, ma il corpo e lo spirito del performer non saranno gli stessi tra la prima e l’ultima replica. La relazione con la violenza delle immagini acquisisce così un carattere rituale e si inscrive nel contesto della fatica fisica e mentale, dell’ostinazione di una permanenza prolungata in scena, acquisendo una forza e una profondità differenti. 

Giovanfrancesco Giannini (Napoli, 1990) collabora con Francesca Foscarini, Alessandro Sciarroni, Cia Aiep Ariella Vidach, Cie Eco Emilio Calcagno, Fabbrica Europa, Cia Korper. Ha danzato per Sang Jijia, Dimitris Papaioannou, Stefano Poda, Luca Veggetti, Mathilde Rosier, Dominique Dupuy, Ismael Ivo. I suoi lavori sono stati presentati nei festival Santarcangelo Festival, Nao Performing Festival, FOG Triennale performing festival, Fabbrica Europa, CCDC festival Hong Kong, Korperformer, Secret Florence. CLOUD è stato selezionato per Tanzmesse open studios 2022, Nid platform open studios 2021 e DNAppunti coreografici 2019 Romaeuropa.

Una real queen proveniente da spazi e tempi lontani, che racconta il suo mondo attraverso la musica, con sonorità pop e contemporanee. Arcadia sfugge a qualsiasi etichetta: sembra uscire da un dipinto preraffaellita, e invece ha appena ritirato una pizza diavola con doppio formaggio dal kebabbaro di fiducia. Nelle sue liriche parla di amori mancati o vissuti intensamente, di lacrime e di sogni nati e cresciuti nelle strade di Milano. Un’artista piena di contrasti e sfumature che ha trovato nell’arte del drag e del canto il suo modo unico per farsi sentire.

⎯ A seguire

HOLOS ⎯ dj-set

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In Idillio il corpo appare dal buio, si scopre sulla scena, indifeso e osservato. L’angoscia di dover scegliere come muoversi spinge il corpo alla crisi, esso è parte della scena e non può restare impassibile. Allora la confusione, le interpretazioni contraddittorie della musica in un altalenare incalzante fra senso e incoerenza; il corpo processa movimenti che si associano ironicamente fra loro e continuano a rigenerarsi. Appare una nuova imperturbabilità nel caos, una nuova forma di contemplazione.

Lorenzo Morandini, diplomato al TNT di Torino e laureato in danza contemporanea al Trinity Laban di Londra, dal 2018 al 2021 è fra gli autori di Incubatore CIMD dove sviluppa Idillio, selezionato per la Vetrina Anticorpi XL 2021. Con La möa, progetto performativo di ricerca negli spazi aperti, è selezionato per Bosyscapes 2021. Dal 2021 è fra gli organizzatori del festival Danzare A Monte in Val di Fiemme; collabora con Orizzonte Giovani come insegnante di danza contemporanea. Nel 2022 il TCVI lo seleziona come Artista in Rete. Con S è selezionato dalla rete Anticorpi per l’azione ResiDance XL.

Sul palco Rrose si aggira spesso nell’ombra, fluttuando tra l’essere un lui e una lei intercambiabilmente (il nome e l’immagine di “Rrose” alludono all’alter-ego femminile di Marcel Duchamp) come interrogazione implicita di norme di genere e abilità artistiche unitamente ad un pizzico di black humour.

Rrose è l’ultima incarnazione di Seth Horvitz, artista interdisciplinare della California, i cui oltre 25 anni di carriera musicale si dividono dentro e fuori i circuiti di musica accademica ed elettronica. Il suo lavoro è informato da costanti interessi in micro-tonalità, ai limiti della percezione e idiosincrasie di macchine, utili a creare nello specifico una puntuale, sensuale e allucinata forma di techno che sfida la mente e il corpo in egual misura. Il progetto si estende a particolari risacche di avanguardia, portandola a collaborazioni con luminari come Bob Ostertag e Charlemagne Palestine e a reinventare i lavori di compositori del XX secolo come James Tenney.

Durante la serata sarà disponibile lo spazio editoria queer a cura di Spine Bookstore.

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Mutuando il processo della fermentazione dei crauti, Leo Kay, artista multidisciplinare impegnato da anni nelle pratiche artistiche di comunità, coinvolge attiviste, pensatrici, artiste e fermentatrici del territorio in un processo di circolarità delle parole, dei corpi e dei desideri. Il senso profondo dell’azione mira a stimolare una condivisione delle istanze transfemministe ed eco-femministe delle partecipanti. Manifesto intersezionale.

Numero massimo di partecipanti 25.

Leo Kay performer di teatro fisico e di teatro danza, membro del nucleo centrale del Kaos theatre UK (1995-99) e poi come performer per le compagnie The Clod Ensemble (UK), Lost Dog Dance Theatre (UK), Ron Bunzle (Amsterdam), Gisella Rocha Cia (Zurigo), The Royal National Theatre (Londra) e London Philharmonic Orchestra. Dal 2017 è impegnato in una ricerca artistica presso l’Apass Research Institute di Bruxelles, dove ha ideato la sua attuale pratica di arte sociale The Bakery Of Slow Ideas, che utilizza le azioni, le qualità e le metafore della fermentazione come atto politico di recupero della capacità personale di produrre cambiamenti. Lavora con l’azione collettiva, in cui il dialogo e il rituale sono le modalità di scambio e di attività. Questo lavoro si colloca a metà strada tra teatro, performance, attività laboratoriale e installazione interattiva. Esplora gli effetti negativi dell’iperproduttività sugli esseri umani e sul mondo in generale e si concentra sull’impatto che questo stato ha sul benessere mentale, fisico, sociale ed ecologico.

Introduzione in collaborazione con il Tavolo Tecnico Lgbtqi+

UOVO è uno spettacolo femminista che spinge in là il limite della visione del femminile sulla scena. Attraverso il corpo, le immagini e il rapporto con l’audience, disseziona e smembra regole e divieti, senso comune, abitudini dello sguardo. Lo spettacolo illumina gli angoli nascosti del discorso sul femminile, quello sociale e quello artistico, rendendo visibili e modificabili i meccanismi culturali acquisiti che facilmente equivochiamo come scelte o istinto. La libertà di cui UOVO è “pratica” qui e ora, di fronte al pubblico e con il pubblico, è una costante re-invenzione del sé; un’auto-generazione sociale ed artistica in scena, un denudarsi di ciò che ci è stato consegnato come nostro ruolo e destino, abbandonando il recinto in cui ci hanno insegnato di poterci muovere. In questo senso UOVO si pone come pratica ritualistica, collettiva, di trasmutazione e ri-codificazione del linguaggio corporeo. 

Gabriella Maiorino è una coreografa e performer residente tra Italia e Olanda. Tutte le sue creazioni sono state prodotte e finanziate dalla città di Amsterdam, da istituzioni nazionali olandesi e co-prodotte da diversi enti italiani ed europei. Ha vinto il concorso Satelliti, il Dansclick in Olanda, e Aerowaves in Inghilterra. È stata coreografa residente al DANSMAKERS di Amsterdam dal 2005 al 2012 e al centro di ricerca DANSLAB den Haag dal 2009 al 2011. Nel 2017 ha aperto lo spazio di ricerca artistica e performativa SHOW ROOM a Trevignano Romano (Roma) insieme al musicista, macchinista e set designer Giovanni Cavalcoli. L’Associazione Sosta Palmizi supporta i suoi lavori in Italia a partire dal 2017.

Alle ore 20,30 – prima di Uovo – al Teatro Kismet, andrà in scena in esclusiva regionale per DAB 23 – DanzaABari 2023 FALL, lo spettacolo LINGUA, di e con Chiara Ameglio, creazione selezionata per la Vetrina della Giovane Danza d’Autore 2023 – azione del Network Anticorpi XL.

Per maggiori informazioni sulla serata speciale in collaborazione BiG/DAB, leggi questo articolo.

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in collaborazione e in confronto con Aps Amleta, Casa delle Donne del Mediterraneo,  Generare culture non violente, a cura di Centro Antiviolenza e  Centro Antidiscriminazioni dell’Assessorato al Welfare del Comune di Bari

RADIO RUBEDO è un’installazione sonora interattiva. È un invito a partecipare a un gioco, un atto partecipato che esplora le tematiche delle relazioni di potere, e del patriarcato in tutte le sue manifestazioni. Saranno presenti nello spazio, sotto forma di tracce sonore, i materiali della precedente serie radiofonica “Rubedo_Allow Aloud”, “Our Body is not in space like things” e “Space for traces”, come strumenti con i quali interagire, per lasciare nuove tracce. L’intento è quello di creare un rituale collettivo sonoro, in uno spazio protetto di interazione, di creazione, di esperienza, e di alleanza. Se scegli di esserci, sei un partecipante attivo, non un osservatore. 

RUBEDO nasce nel 2020 con l’obiettivo di contribuire alla trasformazione del potere abusivo della cultura patriarcale e della sua violenza. Tenta di modificare una memoria abusiva personale di violenza sessuale, in una traccia d’oro.

Cantante, performer, attivista sonora e radio artist, Marialuisa Capurso ricerca nel campo della voce, del movimento, del suono, della body art e della ritualità, e innesca processi creativi individuali e collettivi, interagendo con la danza, il teatro e le arti visive.

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Tre performer ballano la club dance, dando vita a un movimento simile a un’onda che libera una contagiosa energia. Il flusso continua a reinventarsi seguendo gli stimoli luminosi e la ripetitività dei gesti in ottica trasformativa. Al massimo dello sforzo e della sudorazione, il loro incessante movimento si reinventa attraverso impressioni luminose e mutevoli. Con apparente semplicità, questo lavoro esorta a guardare ancora e più da vicino. Schuitemaker installa la performance sullo sfondo di una realtà in continua trasformazione. Come continuare ad andare avanti? Come spostare e riallineare la nostra attenzione? Dall’estasi ipnotica ad un’eccitazione inarrestabile, dalla costruzione meticolosa alla sua rottura, If You Could See Me Now va dritto al centro del corpo e del suo rapporto con il cambiamento.

Arno Schuitemaker (Amsterdam) crea performance per vivere un’esperienza. Iperfisiche e immersive, hanno ricevuto riconoscimenti per le forme inventive che Arno crea per esprimere e dare profondità a temi che soggiacciono nell’intersezione tra l’intimità e l’universalità. Molti dei suoi lavori, fra cui WHILE WE STRIVE (2015), I will wait for you (2016), If You Could See Me Now (2017) e The Way You Sound Tonight (2018) sono stati presentati in venue rinomate e nei festival di arti performative contemporanee di più di 25 Paesi nel mondo. 

St.Robot, una delle anime che ha assemblato  circuiti e riattivato i sensori per dare vita a LaRoboterie, vi accompagnerà in una realtà parallela elettrosovversiva che infrange i confini di genere e le catene della sessualità fatta di corpi pulsanti, in una miscela esplosiva di Hard Techno, Breakbeat e sonorità acide.

LaRoboterie nasce nel 2007 a Roma come primo esempio di queer crew itinerante con la chiara volontà di diffondere, attraverso scelte musicali e artistiche ben precise, la cultura dell’autodeterminazione di tuttǝ coloro che rifiutano le identità di genere socialmente imposte.

Antifascista, antisessista, transfemminista, antirazzista e migrante, sempre a fianco di chi viene emarginatə, di chi subisce violenze e soprusi. LaRoboterie è techno, gay, lesbica, transgender, zingara e puttana. È extracomunitaria, sieropositiva e tossica, antispecista, travestita, carcerata, drag e storpia ma soprattutto è libera e fiera di poter esprimere la propria natura senza filtri, senza sovrastrutture o preconcetti. 

Si ringraziano tutte le persone che hanno supportato questo grande DREAM e in particolare Micaela Paparella e Michele Spinelli.